Kunst produzieren.

Betritt man ein leeres Feld, ein Gebäude oder einen Raum, sehen die meisten von uns den Raum, der schon da ist.

Hannes Trooster, Managing Director bei Eventcare, stellt sich bereits vor, was daraus werden könnte.

Ich versuche, mit den Augen der Besucher zu sehen und mir vorzustellen, wie die Installation an diesem Ort steht.

Wo sieht jemand das Werk zum ersten Mal? Aus welcher Richtung nähert man sich? Was soll die Aufmerksamkeit lenken? Wo ist der stärkste Blickpunkt?

„Ich versuche festzulegen, was der beste Blickpunkt ist, damit wir einen Fokus haben.“

Von dort aus beginnt Hannes, die Installation in den Ort hineinzuskizzieren, auf der Suche nach dem Aufbau mit der größtmöglichen künstlerischen Wirkung.

Bevor ein Kabel verlegt oder ein Projektor aufgestellt ist, hat die Produktion schon begonnen.

Die Umgebung wird Teil der Installation. Vorhandenes Licht kann das Werk beeinflussen. Der Weg, den Menschen nehmen, kann verändern, wie sich eine Installation offenbart.

Für ein paar Stunden oder Tage muss sich das Werk anfühlen, als gehöre es genau dorthin.

Dann kommen die Details, nach denen nie jemand fragen wird.

Bei einer Lichtkunstinstallation arbeitete das Team mit Projektoren, die für das Publikum deutlich sichtbar waren.

Die naheliegende Lösung schien, sie zu verstecken.

Also versuchte man genau das.Es wurde dadurch nur schlimmer.

Wir haben viel Aufwand betrieben, um die Projektoren zu verstecken. Am Ende funktionierte es am besten, sie einfach so zu lassen, wie sie waren. Versteckte Technik zieht meistens erst recht Aufmerksamkeit auf sich.

Irgendwann hörten sie auf, sie zu tarnen.

Es klingt nach einem winzigen Produktionsproblem.Aber temporäre Kunst steckt voller solcher Entscheidungen.

Ein Projektor muss nicht unbedingt unsichtbar sein.Er muss nur aufhören, Aufmerksamkeit zu verlangen.

Manchmal heißt das, Technik zu verstecken. Manchmal, sie zu integrieren. Und manchmal, sie genau dort zu lassen, wo sie ist.

Die Besucher werden wahrscheinlich nie erfahren, dass dieses Gespräch stattgefunden hat.Und genau darum geht es.

Temporäre Kunst folgt einer seltsamen Produktionslogik.

Man muss darüber nachdenken, wie etwas verschwindet, bevor es überhaupt existiert.

Wie kommt alles an?Wie schnell lässt es sich aufbauen?Was passiert, wenn das Publikum hereinkommt?Was, wenn etwas Unerwartetes geschieht?Und wie verschwindet alles wieder, ohne das Werk zu beeinträchtigen, solange es da ist?

Für Hannes beeinflussen diese Fragen die technische Lösung von Anfang an.

Wir fragen uns: Wie machen wir das so, dass es sich in kurzer Zeit leicht auf- und abbauen lässt?

Er überlegt auch, welches Team wirklich nötig ist, um die Installation zu betreiben, und wie sich unvorhergesehene Umstände berücksichtigen lassen, bevor sie eintreten.

Das Interessante ist nicht Effizienz um der Effizienz willen.

Temporäre Installationen haben ein verdichtetes Leben: aufbauen, testen, eröffnen, erleben, abbauen. Manchmal innerhalb weniger Stunden.

Jede unnötige Ebene an Komplexität ist eine weitere Sache, die ausfallen kann, die Aufmerksamkeit braucht, ein weiteres technisches Element, das vom Werk ablenken kann.

Etwas Temporäres zu bauen heißt also auch, schon an sein Verschwinden zu denken.

Es gibt noch ein seltsames Ungleichgewicht in der temporären Kunst.

Ein Besucher erlebt eine Installation vielleicht ein einziges Mal.Das Team dahinter hat sie schon immer und immer wieder angeschaut.

In dieser Wiederholung steckt ein großer Teil der Arbeit.

Für Hannes ist ein Teil der Vorbereitung besonders wichtig:

Wir brauchen unbedingt eine Probe.

Denn die Eröffnung sollte nicht der Moment sein, in dem man entdeckt, was das Werk eigentlich tut.

Man testet.Schaut hin.Ändert etwas.Schaut wieder hin.Betrachtet es aus der Position der Besucher.Geht weg.Kommt zurück.

Und kommt oft zum selben Schluss:

Noch nicht ganz.

Je näher man dem Ende kommt, desto kleiner werden die Änderungen oft.Und gerade diese kleinen Änderungen können den Unterschied machen.

Irgendwann funktioniert alles.

Die Konstruktion steht.Die Projektoren projizieren.Das Licht reagiert.

Technisch gesehen könnte man die Installation fertig nennen.

Aber technisch fertig und künstlerisch fertig sind nicht unbedingt dasselbe.

„Es braucht viel Zeit und viel Geduld, aus einer technischen Installation eine Kunstinstallation zu machen“, sagt Hannes.

Worauf das Team dann achtet, kann fast unbedeutend wirken.

Lichtverschmutzung.Technik, die etwas zu viel Aufmerksamkeit auf sich zieht.Ein Blickwinkel, der nicht ganz funktioniert.Ein Element, das eigentlich gar nicht da sein muss.

„Details wie Lichtverschmutzung, möglichst wenig sichtbare Technik und die Kunst des Weglassens sind entscheidend für künstlerische Wirkung.“

Maikel Fleminks, Head of Design bei Eventcare, beschreibt den Unterschied zwischen der Produktion eines Events und der Produktion von Kunst viel einfacher:

Es ist viel subtiler.

Es gibt keinen Knopf, der einem sagt, dass die Balance stimmt.

Es braucht Tests und Vorschauen.Immer wieder.

„Eine Kombination aus sehr gut durchdachten kleinen Details entscheidet über Erfolg oder Misserfolg“, sagt Hannes.

Und dann kommt vielleicht die beste Beschreibung des ganzen Prozesses:

Es ist nie einfach nur einfach, vor allem dann nicht, wenn es einfach aussieht.

Je müheloser sich das fertige Werk anfühlt, desto mehr Arbeit steckt vielleicht darin, es so wirken zu lassen.

Es ist ein Prozess, den wir gut kennen. Eventcare arbeitet mit Studio Roosegaarde an der weltweiten technischen Produktion seiner Kunstwerke und übersetzt künstlerische Arbeit in Installationen, die an unterschiedlichen Orten und unter unterschiedlichen Bedingungen funktionieren.

Jeder neue Ort bringt seine eigene technische Realität mit. Das Kunstwerk mag reisen, aber die Art, wie es installiert und erlebt wird, muss jedes Mal neu funktionieren.

Ein Kunstwerk an einem völlig anderen Ort genau richtig wirken zu lassen, ist ein eigenes Handwerk.

Es gibt einen Teil des Prozesses, den das Publikum mit ziemlicher Sicherheit nie sieht.

Die Gespräche darüber, was man nicht tut.

Ein Künstler kommt vielleicht mit einer bestimmten technischen Lösung im Kopf. Sobald diese Idee auf den Ort, das verfügbare Budget und die technische Realität trifft, muss sich diese Lösung womöglich ändern.

Für Maikel ist das der Moment, in dem Direktheit zählt.

Das hängt vom Künstler und seinem Wissen ab. Es ist wichtig, direkt zu sein: Wenn etwas nie funktionieren oder ins Budget passen wird, sollte man entweder eine Alternative anbieten oder etwas, das passt.

Meistens gibt es einen anderen Weg.

Vorhandene Technik anders einsetzen. Einen Teil des technischen Aufbaus ändern. Eine Lösung finden, die das künstlerische Ergebnis erreicht, ohne dass alles maßgefertigt werden muss.

Hinter den Kulissen suchen Maikel und Hannes aktiv nach vorhandener Technik und bestehenden Lösungen, denn eine komplett maßgefertigte technische Lösung kann eine Installation schnell so teuer machen, dass sie gar nicht mehr realisierbar ist.

Die Frage lautet dann nicht: Können wir den ursprünglichen Plan noch bauen?

Sondern:Können wir es ändern, ohne das Werk zu verändern?

„Können wir diese Änderung vornehmen, ohne den künstlerischen Wert zu beeinträchtigen?“, sagt Hannes. „Können wir es ändern und das künstlerische Ergebnis erhalten oder sogar verbessern?“

Manchmal ist die Antwort Ja.Und manchmal Nein.

Hannes erinnert sich an ein Projekt, bei dem die Installation in die Grenzen von Budget oder Location gepasst hätte, wenn man einen Teil des technischen Aufbaus reduziert hätte.

Technisch wäre das möglich gewesen.Aber sie hätten die Qualität des Werks nicht mehr garantieren können.

Wenn wir uns entscheiden, einen Teil der Technik wegzulassen, damit es in ein Budget oder eine Location passt, können wir nicht für die Qualität des Projekts einstehen.

Ihr Rat war klar: entweder einen Weg finden, den vollständigen Aufbau umzusetzen, oder keine abgeschwächte Version produzieren.

Die Antwort des Künstlers?

„Okay, ich vertraue euch.“

Das ist ein wichtiger Teil davon, die Arbeit eines anderen zu produzieren.

Manchmal ist es die Aufgabe, das Problem zu lösen.Manchmal ist es die Aufgabe zu erkennen, wann die Lösung des Problems ein schlechteres Kunstwerk hervorbringen würde.

Beim Schemerlicht Festival 2026 in Nijmegen war Eventcare Produktionspartner für die Künstler und ihre Kunstwerke.

Das Festival verwandelte den Goffertpark in eine audiovisuelle Kunstroute, auf der sich Kunst, Natur und Wissenschaft begegneten.

Für uns bedeutete das, genau in dem Raum zu arbeiten, um den es in diesem Artikel geht.

Zwischen dem Künstler und dem Festival.Zwischen einem Kunstwerk und dem Ort, an dem es existieren sollte.Zwischen dem, was sich jemand vorgestellt hatte, und all den technischen Entscheidungen, die nötig waren, damit die Technik in den Hintergrund tritt.

Kunstwerke in technische Pläne übersetzen. Schauen, was jeder Ort verlangte. Testen, anpassen, bauen und Lösungen finden, ohne dem Werk etwas zu nehmen.

Die Arbeit mit Kunstwerken in einem temporären Outdoor-Setting machte diese Beziehung zwischen Werk und Umgebung besonders wichtig.

Und dann, für die Dauer des Festivals, konnten die Besucher das Ergebnis erleben.

Irgendwann wird die Installation eröffnet.

Und dann passiert etwas Seltsames.Alle Produktionsentscheidungen verschwinden.

Niemand sieht die Gespräche über Projektoren.Niemand weiß, welche technischen Lösungen geändert wurden.Niemand weiß, was bewusst weggelassen wurde.Niemand weiß, wie oft das Team an derselben Stelle stand, auf dasselbe Licht schaute und dachte:

Noch nicht ganz.

Für ein paar Stunden oder Tage gibt es einfach nur das Werk.

Dann geht der letzte Besucher.Das Licht geht aus.Der Abbau beginnt.

Wir bauen ab, sorgen dafür, dass die gesamte Technik wieder im Lager ist, und machen eine gute, gründliche Auswertung der Installation, damit wir uns immer weiter verbessern können.

Kurz danach sieht der Ort vielleicht fast unberührt aus.

Wochen oder Monate Arbeit für etwas, das nur vorübergehend existierte.